而從無聲電影匿跡的1929年之後,只是諾蘭把他的

作者: 影视资讯  发布:2019-11-16

3.有一幕讓我印象深刻的畫面是希維爾將嘴巴裡支撐口形的骨架取出時,他的頭顱與面相像是有白骨浮出。這當然是另一個小小的視覺線索,呼應到他送給M小姐與Q先生的訊息當中。但同時這半生半死的狀態正說明了為何他既是天才犯罪者又如此的易怒與狂躁。在中國的小島上,他輕易地取了情人的性命,展露他殘酷無情的一面。不過別忘了,龐德在這裡也用「浪費了好酒」一句來回應,絲毫不在乎逝去的生命。然而透過希維爾在監獄裡與M對話的一幕與視覺的呼應,觀眾在影片的後半部可以明瞭他為何想要與M小姐一起共奔黃泉,而不是像要完成目標那樣除掉M。

永利棋牌 ,五位編劇當中我最喜歡的兩位就是貢敏跟方桂蘭了。相信大家都是這樣的觀念。也有部份朋友覺得全篇都是貢敏執筆會更好,我不反對這樣的假設。
看新白整個過程,隨著編劇的轉換,感覺是在看不同味道戲劇。貢敏的部份給我的感覺是真正的神話劇,劇情大量涉及到不同的仙家故事,同時也將娘子跟官人的生活寫得如神仙眷侶一般甜蜜,但沒有機會知道貢敏在處理後期娘子跟官人生離時那種悲情的部份是怎樣的一個狀態,所以我自己也不知道全篇由貢敏創作會不會出現方桂蘭編寫時那樣賺人熱淚。
但是方桂蘭在這一方面的處理是有目共睹的,首先方桂蘭的文學造詣出類拔萃,其次她對感情的刻畫細膩入微,同時也是很細心的的一位編劇,在她編寫的部份是所有編劇中最能跟貢敏部份呼應的一位,例如貢敏部份的兩大愛情信物金簪和雨傘,方桂蘭就不時的寫入她的劇本當中,增添夫妻生活的甜蜜。而雷峰塔前辭故人時雨傘的運用也跟貢敏的借傘遊湖首尾呼應。貢敏寫的王道靈也是在方桂蘭筆下給出了結局。凡此種種劇情跟細節都與貢敏的部份銜接得當。所以我覺得要是由貢敏負責新白娘子「仙」的部份,由方桂蘭負責「人」的部份,這齣戲肯定會成為一部很接地氣的,充滿「人情味的神話劇」。
反觀趙文川,雖然在他撰寫的部份,唱詞和台詞也就不遜色,不過劇情已經嚴重偏題,那一段冗長的部份甚至給我的感覺是在看包青天。而且趙文川不仔細參看貢敏編寫的部份,造成了邏輯上與前幾集出現矛盾,比如黑白無常後來說什麼白素貞去豐都是因為有觀音菩薩的菩提蓮護體,這在貢敏原始的大綱中卻是有這個橋段,但可能是因為電腦技術的制約,實際的劇本省去了菩提蓮。趙文川不看看貢敏部份就直接照著大綱亂寫,造成第一個敗筆。其次他徹頭徹尾把法海寫成一個大惡人,這也是跟貢敏大綱全然不同的,造成最後法海能證道這個結局讓觀眾一頭霧水。大家仔細觀看就會發現,貢敏部份不用說,到了方桂蘭的部份,甚至後來何麒和夏祖輝的部份都沒有「黑過法海」,法海只不過是個一心要收服白蛇的得道高僧而已,他的出現僅僅是給白蛇和許仙設置的一道考驗,像是西遊記裡專門為唐僧師徒設置的考驗而已,那麼後面四人飛昇也就合情合理了。總之趙文川的部份可以說唯一的用處就是突顯娘子官人婚後生活的種種險阻和不順吧,但我覺得省略掉也不會太影響整齣劇的質量。
最後何麒和夏祖輝編寫的部份不用多說,相信大家都有公論,如果不是趙雅芝跟葉童來演,大多數人是不太會去看了,相信如果即使硬要寫士林跟媚娘這段情,但仍然有貢敏和方桂蘭操刀,即使佈景簡陋,依然會成為跟前三十幾一樣的經典,本來方桂蘭就已經確定了要用士林媚娘的感情線來寫後半部,並也奠定是悲劇收場,故事基調是很引人入勝的,但天曉得為什麼又換編劇了。而這次換的編劇就不像之前編劇那樣用心,我知道何麒被證實就是在戲曲創作領域享負盛名的何季平,我也不質疑她的文筆,只不過她在寫新白的時候太不用心,太「亂來」了,比趙文川還惡劣,唱詞少得可憐,劇情東拉西扯,一大堆有的沒的故事情節,連小青出塔報仇都被她寫成一個打醬油的了。唯一我喜歡她寫的部份就是白娘子出塔救子的那裡,可那也是貢敏早就擬好的部份,說到底,凡是何麒原創的部份真的讓人看得想睡覺。方桂蘭原創的張玉堂與青兒的部份都成為全劇的一小段經典,趙文川寫的老乞婆部份也讓人看的津津有味,義憤填膺。而何麒⋯⋯唉,可能也怪不了他吧,八成電視台壓榨,讓人家一天寫一集什麼的⋯⋯
夏祖輝就不予置評了,反正他就是隨便加了幾場無關緊要的戲,湊集數⋯⋯
所以說,我覺得全劇五個編劇中,真正是新白功臣的只有貢敏和方桂蘭。如果新白由他們兩個寫,相信新白都可以直接定型為《白蛇傳》的最終標準版本。

化妝間這場戲讓影片的兩大主題「電影事業」、「愛情」給明確地點了出來,而火災後Valentin緊抱著不肯放手的膠卷則是情感擲地有聲的具體宣言。這捲紀念兩人第一次共同合演的底片,也是一部無聲的片中片,再次成功地讓主角對事業的遺憾和對感情的不捨合而為一。兩人看似單純的情感發展,卻在雙方事業發展不同調的設計之下顯出有趣的對照,使全片更加教人目不暇給,可看度大增。

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  1. 當Q與007見面時,他們坐在博物館的長椅上看著透納(J. M. W. Turner)1839年的畫作《The Fighting Téméraire tugged to her last Berth to be broken》。劇情上的呼應不說(衰老的龐德與不再被需要的秘密情報局),視覺上的呼應瀰漫在整部作品之中。如果仔細觀看影片當中下一個場景,就能發覺澳門賭場的整體構圖與色調呼應大塊的紅黃橙白,指向那不可見的太陽與超越性。意即,這位英國浪漫派畫家所尋求的昇華之美呼應的不僅僅是支撐龐德與情報局那虛幻但真誠的愛國意識,同時也指向霓虹都市中流光幻影的擬像。這一視覺的主題同時縈繞著澳門的場景與最後天落莊園的蘇格蘭風景。透納畫作當中被縮限的人與物正是他表達人類面對毀滅或超昇的無力,這呼應到情報局與其對抗的陰影與幽魂。曼德斯對於視覺協調、平衡與對稱的直覺,是在當代導演當中難得的特質,也是諾蘭一直以來缺乏的東西。

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「銀幕」也常是作為劃分幻想與現實、電影與真實生活界限的重要元素。但在本片中,「銀幕」從頭到尾就是象徵著他追尋的目標。從一開始Valentin滿意地看著銀幕上的自己,到最後落魄潦倒時對著空白的銀幕焦躁地尋找消失的投影,「銀幕」像是他藉此用來確認自我認同、追求生存價值的媒介。「鏡子」也有類似作用,在片中往往呈現出Valentin是否受到了肯定認同。在他潦倒時,他在櫥窗裡看見的,以及在桌面上看見的,都是令他厭惡或心煩的自己。然而他最初與Miller在化妝間裡,互相以注視交換心意之時,也是透過重重鏡面之後,才終於接觸到彼此眼光。

《Interstellar》絕對是可以排入影史必看史詩鉅片之一,電影中融入了導演克里斯多福諾蘭滿滿的人生觀、愛情觀與對人類文明的關懷,無可比擬的劇本與拍攝鏡頭畫面!劇情和科學物理很多部分是現代科學無法完全理解的範疇,但導演諾蘭兄弟對寫真的追求,體現在設定上做了相當深入的研究,從時空相對論的解釋到蟲洞、黑洞的外型,皆是有科學研究當作背景。 「唯有愛能凌駕時間與空間!」這句話作為貫穿本片的核心本質,說明了這不僅僅是部科幻電影,更是一部由「愛」出發傳遞情感,放大時空價值的電影。導演諾蘭的作品向來層次飽滿,視野寬廣,他並不是第一個拍攝科幻題材電影的人,也絕不會是最後一個,而這部《Interstellar》,絕對夠份量列為未來科幻題材電影的楷模典範,極具啟發撞擊力,深刻感受直達心坎! 如果說《地心引力》只用到了愛因斯坦的引力理論,帶我們一窺宇宙的樣貌,那《Interstellar》則是愛因斯坦的全部理論,幫觀眾建立出宇宙的世界觀,只是諾蘭把他的理論用表演的方式表現出來!另在《Inception》裡陀螺儀的與崎嶇的世界觀,以及一層一層的空間概念,都是驗證愛因斯坦認為空間和時間是統一連貫成四維結構,稱之為時空,而空間它可以是扭曲的,共鳴的,可旋轉的,因為時間與空間的扭曲形成了引力,而在空間中時間的流逝是不同的…。 本片硬科學題材艱澀費解,諾蘭卻大膽選擇如此不易駕馭的方向,顯現出他對電影製作迥然迴異的品味講究,符合當代大師宏觀的選材眼界。科學與科幻僅僅一線之隔,彼此雖同源,卻不同路,若缺乏有所本的論述支撐,往往淪為空想,我想諾蘭也知曉其理,才會找來理論物理權威基普索恩(Kip Thorne)共同參與製片,替《Interstellar》增添強而有力科學基礎,說服力展露無遺,再透過高端視效的輔助,各個環節的精良造藝分工,我們才得以親炙震撼驚奇!

3.5

撇開其「經典性」不談,觀眾應該也能發現《大藝術家》未曾被經典老片壓得綁手綁腳。在劇本和技術層面上,這都絕不只是一部試著想照本「還原」某個時代的電影而已。如同Gus Van Son的《1999驚魂記》(Psycho, 1999)應該也不是只想為希區考克的經典作品上顏色而已吧。

一向對於艱澀生硬的科幻太空、科學物理片敬謝不敏的我,卻重覆觀影《Interstellar》數次,其中尤其喜愛片中拋開典型英雄主義的成見,減一點娛樂,多幾分哲理深度,並將舞台還給角色的安排。劇本主軸更得以落實,意義看似單純,寓意卻深遠。超群出色的場面調度,在每個關鍵節點亮出佈局,彼此緊密連結,尾端再全力收縮,回歸到「愛」的本質。「時間」被獨立包裹成為資源,在有限的時間為親情與人類的永續繁衍分秒競逐,變成最迫切的壓力,無以蹉跎。每一次呼吸,只能證明我們活著,可惜我們並不能對著時間碼錶按下暫停,生命長度有限,轉瞬即過,存在,只是一種形式,但是「愛」不同,不論愛的大小,心中只要有愛,便能超越時間!或許,也該是時候認真想想,生命的短暫旅程中,你要選擇徒然消磨,枉費日月,抑或是為自己、為在乎的人,甚至是為全人類犧牲奉獻,這兩種路程,不分對錯,純粹只是價值的選擇…。而看過諾蘭諸多的電影裡,總會帶給觀影人“每一個人都是善中帶惡與惡中帶善的一體兩面”,沒有絕對!以本片為例:只想生存的科學家曼恩瞞騙大家,只為讓自己存活下去,並可回到地球上,是善還惡?布蘭德博士認為地球沒救,卻仍然保留了A計畫,是善還惡?不願讓父親前往太空去拯救世界的墨菲,最後由她領著從父親庫柏那邊得知的信息拯救了世界,是善還惡?庫柏因為想要早點回地球,所以選擇了距離地球近的星球登入,但最後得知黑洞信息,讓她的女兒拯救世界,是善還惡?很多次庫柏都被要求必須跨越自己生命的極限,不以個人角度思考,而是以一個物種,去面對現實,進行星際探索!這到底是大愛還是無情?當世界末日來臨以人類這個物種發展去進行星際探索,拋棄地球的人類,發展自己的殖民星計畫,在多數人眼裡或許是長遠之計,但這卻不是上乘之計,如果是你,你會做何選擇?當艾蜜莉亞問庫柏:「難道不能跟你女兒說你要拯救世界嗎?」,庫柏說:「不行,當妳成為父母時,有一件事情會變得非常清楚,你得確保你的孩子有安全感。」充分的證明了諾蘭不僅是個浪漫的人,甚至是個非常有責任感的硬漢,以庫柏來投射諾蘭對於孩子、家庭的觀念,不管如何絕不讓家人擔心!

2.這引領我們回到那庸俗且刻意的開頭。山姆曼德斯指向了數部經典作品:獵人之夜、迷魂記與上海小姐。其中最重要的便是上海小姐當中的鏡象迷宮。為何?在龐德追捕職業殺手至上海時,他尾隨殺手進入了都市叢林中某棟高樓。在這個場警當中,導演在影像身處安排了不停幻動明滅的霓虹與銀幕,強烈的光芒將主角在場景當中的身影剪成了黑影。配上數道前景跟後景之間的玻璃帷幕,將主角與影像深處敵手的影像碎裂成一塊塊的陰影,融入或浮出於光影之間。上海小姐成為地域的上海,而鏡像迷宮不再封閉而流散於都會之間。順帶一提,龐德跟伊芙(黑人女探員)做愛的場景被煙花燦爛所凝縮,這是希區考克《捉賊記》的經典手法。

當身為觀眾的我見證兩人在充滿鏡子的房間裡,一個愛撫對方的衣服,在鏡子上寫下感激,一個為對方點上更適合銀幕的美痣,兩人反覆看著鏡子裡外彼此的模樣,我不禁為這虛實夾雜的情感擔憂起來。劇情在這裡尚未出現考驗或磨難,然而這個小房間裡被鏡子來回反射的情感,說明了兩人的愛勢必通過虛幻與真實的考驗。他們終究得先接受鏡子裡被事業肯定的彼此,才能在鏡子外的現實裡合而為一。

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在這就不挑剔劇情上的一些有問題的地方,如節奏、角色的重要度與戲份、還有稀鬆平常的追逐戲。我覺得這些問題基本上無傷大雅或說瑕不掩瑜。

如此將角色對聲音的感知幻化為其心頭的壓力,不正是以一種新的觀點,來處理和當年《萬花嬉春》很類似的時代嗎。最有趣的莫過於Valentin做的那個恐怖惡夢:全世界都有聲音,包括小狗,甚至是他化妝間的電話,而且非常刺耳。整個世界都那樣喧鬧,就他一個人發不出任何聲音來。也難怪片尾導演喊cut,當他聽見自己激烈舞動之後的喘息聲,居然會感到這麼驚訝開心。

「人類在地球誕生,但不該滅絕於此。」 主題雖然看似在描述太空之旅、但宗旨還是在探討「家庭與愛」,因為劇情走向的緣故讓親情變成了超沉重的使命感…為了「愛」主角會做出怎樣的抉擇?在外太空的劇情更探討了各式各樣的人性角度。《Interstellar》由馬修麥康納、安海瑟薇、潔西卡崔絲坦、麥特戴蒙、米高肯恩、麥肯基弗依主演,劇情大綱就是在世界末日即將到來,一個由人類團隊藉由穿越蟲洞來進行拯救世界的冒險故事!本片中你可以感受到理論變成真實的事件將是多麼的動魄驚心,每一幕太空極景是多麼的唯美動人!在劇情的安排下環環相扣,前後呼應,非常精采!在電影中提到了「人類生於地球,不該滅絕於此,我們會找到辦法的,我們總是如此。」印證了人類的自大讓這個世界崩壞,但我們總是對未來抱持著希望!

¢2012年的今天,試想未來的復古可能

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若我們試著注目消失的聲音,可以發現它恰好形成一個引人注目的空缺位置。導演聰明地利用了這個缺席元素製造新意,織入敘事當中。首先是在影片剛開始的時候,觀眾不曉得自己正在看的是「片中片」,此時本片的配樂與正在上映的片中片是同步的,觀眾得等到男主角望著銀幕中的自己時,才會恍然大悟原來剛剛看的那段是戲中戲。讓戲中人看大銀幕,這也是相當古老的後設手法,而當音樂也漸漸地融入了George和Peppy生活的這一層劇情,負責扮演模糊界線的聲音元素,也漸漸開始清楚地揭露本片主題:電影與真實、有聲與無聲。在片廠老闆告訴他時代變了之後,「聲音」成了他心頭的魔障。在他漸入谷底時,有觀眾讚美他的小狗,他卻自嘲"only if he can talk"。而Peppy Miller也被他不經意地撞見正在自稱觀眾愛她的原因是"because i can talk!"。連妻子也要求他說話,不只針對他沉悶的家居生活,也是暗諷他的事業。

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¢不只復古而且很摩登

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無事生花blog原文

本片以膠片攝影特有的懷舊氣息,巧妙地與故事背景契合,針對「既視感」需求呈現出搭調的自然色譜,縮近與觀眾的對話距離,使得科幻片看起來不再冰冷如霜。劇本大膽使用環形敘事手法,配合平行剪輯,不但能寬化角色視角,也能讓這個結構龐大的故事獲得彈性延展,脫離傳統線性鋪陳,行影節奏流暢,側重「愛」的本質核心探究更加深化,更無堅不摧!演員表現部分,男主角馬修麥康納依舊是最大亮點,鏡頭捕捉到不少微妙自然表情,情緒轉換變檔細膩又貼近真實;安海瑟薇與米基肯恩戲份有限,表現符合期望,不算有所突破。我認為普遍好萊塢現代主流電影,常常陷入「視效就是萬靈丹、視效就是一切」的泥烙之中,殊不知竭盡所能所打造出來的「緊張」、「刺激」都是很表面的,諾蘭鶴立雞群的電影質感,憑藉著不拘泥形式、流於俗艷的思維,洞悉電影一切可用元素,好整以暇勾勒出一部高端作品。 其次,克里斯多福諾蘭曾和幾位重量級的導演,其中包括昆汀塔倫提諾、J·J·亞柏拉罕等共同發起了底片的救援行動,從此可知諾蘭是位非常關心人類文明與文化的人,我相信,不只是因為膠捲內的彩度與鮮度更適合用來拍攝電影,而是因為目前暫時無法保證數位化後的電影可以被後人所看到,但若是膠捲用心存放是可以被後人所看到的!這也可以解釋諾蘭為何會想拍攝擁有世界末日情結的《Interstellar》了,這部電影充滿了警世的意味! 另一個值得一提的是以狄倫湯瑪斯的詩句「不要溫順地走進那良夜,白晝將盡,就算年老也要燃燒咆嘯,怒吼,怒吼抗拒天光沒滅」破題,提醒我們不管如何,我們都必須對抗命運,就算年老也要燃燒怒吼,盡自己最大的本分,努力著每一天!電影由配樂大師“漢斯季默”再度操刀,絕佳的劇情表演加上震撼人心的配樂,堪稱科幻史詩鉅作! 《摘自Jk.Yanh、Hiroking》

然而Jean Dujardin那彷若在每個時代都能佔有一席之地的笑臉,在影片的最後以充滿喜悅的舞蹈告訴我們──時代會改變,技術會跟著變,人們需要的題材也會改變,然而愛情、歡笑、夢想也許是永遠都不會變的最好主題。

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古老的電影語言值得細細品味,究竟「少了」聲音這個元素,電影該如何單以畫面歌唱?或者我們該問的是:當人們未曾以聲音思考過電影呈現,僅僅運用畫面,究竟可以製造出什麼樣的心靈聲響?由於今天的製作者與觀賞者對於電影的定義都早不同於1929年之前,片商為了收益,幾乎不可能在現代的電影製作交出這種高規格的「復古」作品。因此該片光從發想提案階段,就已經極具勇氣和見識。導演在一篇訪談報導中曾經說,就像繪畫或音樂一樣──「默片曾經是語言的烏托邦」。你能想像嗎?曾有一度,全世界的人可以跨越文化種族等隔閡,平起平坐的看同一部電影,為同一個橋段放聲大笑。

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也許正是因為跨越過電影的上古時代,歷經大大小小技術革新,我們如今才能悠然自得地來回歷史與當下之間,賞玩電影的有聲/無聲。而這提醒了我們:本片除了試著讓現代人享受無聲電影,也刻意強調各種技術層面細節。我們可以看到攝助為了對焦,在畫面上來回走動拉皮尺。而片尾導演也是依序喊聲音、攝影、最後才喊action,讓演員開始走戲。若思考到時間的變化,這類細節多少都會帶有一些記錄的意味。因為新技術不斷出現,不斷造成衝擊,這些製作細節或許很快就要遭到淘汰,隨時被送進電影歷史博物館裡了。

¢缺席的聲音

每一個年代也許都該要有屬於他們自己的《萬花嬉春》(Singin' in the Rain, 1952),才可為當代以及此後數十年間的觀眾們用此刻的技術和視野留下故事──有關聲音如何在電影裡出現,有關電影純粹的美好,有關愛情如何在銀幕前後純純地滋長,有關舞蹈和笑容的背後所有精彩花絮。在戰略事務局117號兩部惡搞片中也曾在畫面上回味舊時代的法國導演Michel Hazanavicius,這次帶來的《大藝術家》不戲謔,卻是優雅誠摯,在大銀幕上富有經典性的魄力表現幾乎足以讓觀眾涕泗縱橫。小心地走在《萬花嬉春》旋律上,以不落窠臼的幽默品味去汲取經典,又勇敢以當代的觀點去拍攝,甚至全然保留了默片美好本質,無疑是一部堪稱劃時代的亮眼大作。如以盧米埃兄弟公開放映《工廠下班》的1895年為電影元年,那麼無聲電影只活了34年。而從無聲電影匿跡的1929年之後,又過了83年,現在的我居然在大銀幕上重新觀看,以現代技術「還原」製作,僅存在了34年歷史的無聲電影。

¢「銀幕」與「鏡子」架構迷離難解的愛情路

正因默片的形式與今天電影相較之下顯得純粹簡單,觀眾也可以在《大藝術家》中輕易發現,由於嘗試接近當年作品特質,本片從技術、敘事、主題來看也都非常的老派優雅。尤其是片中拍攝的作品,視覺調度以畫面左右方向移動為主,正如同當年的無聲電影,幾乎只仰賴畫面上宛如一座舞台的左右兩方,而少有縱向的調度。例如《將軍號》(the General, 1926)就是一個好例子,它精彩地以左右兩方分別代表失控火車頭前往南方、北方,為觀眾製造緊張感。而演員們在片中片裡頭的表現也足以令人想起許多經典默片。

而有趣的是,不同於片中片,主角們George Valentin和Peppy Miller的生活則比較接近40s、50s的電影風味。尤其是劇情走勢或是場面調度,還有演藝圈花花世界中探索「初心」與「真愛」的故事宗旨,都不禁令人想起一樣在描寫藝術家生命處境的經典作品《大國民》(Citizen Kane, 1941)。導演說,他為了增添電影的「經典性」,參考了非常多經典老片,而在George Valentin的家庭生活上,他顯然是借用了和《大國民》幾乎完全一樣的手法,來呈現一對夫婦的關係如何一落千丈。

回到前文,在片中缺席的聲音元素反而成為本片重要的元素之一。1929年以前人們視之為理所當然的無聲電影,在今日拍起來卻是向復古致敬。這不禁教人試著思考,也許再過80年後,會不會開始有人登高一呼倡行電影復古:「我們來拍個很復古的非3D電影!」或是「我們來惡搞拍一部20世紀初很流行的哈利波特」,甚至是「來拍一部只有一個結局的電影」之類的?

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